«El cine fantástico amplía los límites de la imaginación»

El trabajo consiste fundamentalmente en ver muchas películas y seleccionar las mejores o las que se ajustan más a aquello que creemos que el público del Festival disfrutará. En todo caso, hay que distinguir entre los dos aspectos fundamentales del trabajo, que son la selección y la programación. La selección implica rastrear otros festivales, mercados y la agenda de contactos propios del Festival para conseguir los mejores títulos; la programación consiste en buscar la mejor manera de que los títulos lleguen al público.

Con estos dos aspectos, el programador crea un discurso que posiciona el festival en el panorama internacional y que ayuda a establecer un diálogo entre creadores y público. También me gustaría diferenciar entre la programación de largometrajes y la de cortometrajes, que en el mundo de la animación son muy importantes. En el campo de la animación, el corto no se considera solo un paso previo al largo, sino una forma de expresión completamente consolidada. Precisamente por lo que decía antes, siempre recomiendo ver los cortos de las sesiones de competición del festival. Hay variedad de técnicas, de géneros y de enfoques plásticos y narrativos. Y en una sola sesión se puede ver una decena de historias. Dentro de una variedad que refleja la naturaleza heterogénea y pluridisciplinar de la animación contemporánea, la selección de cortos de Anímate intenta contribuir a la programación del Festival ayudando a explorar los límites de los géneros. Es interesante buscar la respuesta en Pixar, que es la productora que ha revolucionado completamente la animación. Pues la historia de Pixar es el fruto de la fusión definitiva de los talentos de artistas e ingenieros. De hecho, el trayecto profesional de Ed Catnull (de ingeniero informático pionero de los gráficos por ordenador a presidente de Pixar Animation Studios y Disney Animation Studios) constituye un magnífico relato sobre ciertas tendencias del cine del futuro o, al menos, de un cine con futuro. Y la frase de John Lasseter que ha hecho fortuna y que se ha convertido en el lema de Pixar lo dice muy claro: «El arte reta a la tecnología y la tecnología inspira al arte». Para mí esta es una clave para entender no solo la animación actual sino también todo el cine de espectáculo contemporáneo. Lo más difícil es conseguir la presencia en el festival de todos los creadores con talento que crees necesarios. Además de un acontecimiento puntual en el que se muestran películas, un festival es muchas cosas más; por ejemplo, un mercado de productos y proyectos audiovisuales, un espacio de trabajo en red (networking), un escaparate de famosos que atrae a los aficionados a las estrellas de cine. También es un acontecimiento con cierta dimensión académica, con clases magistrales, encuentros con creadores, sesiones de Q&A (diálogo entre los creadores y el público). En este contexto, no es nada extraño que te falle justo aquella figura que considerabas imprescindible.

Lo más emocionante es, al mismo tiempo, conseguir que este talento viaje hasta el festival. Y también es emocionante procurar conseguir la mejor programación, está claro, todos aquellos títulos que todos esperan. Tengo la firme convicción de que lo fantástico, como género de la imaginación, es claramente superior al realismo para tocar todo tipo de temas. De hecho, coincido bastante con la reflexión del editor Alejo Cuervo cuando afirma que el realismo es pernicioso porque trae implícito el mensaje muy peligroso de que existe una forma única y correcta de contemplar y entender el mundo.

En cualquier caso, el género fantástico ha puesto de manifiesto su capacidad para reflejar de una manera muy productiva las cuestiones sociales, políticas, económicas y culturales de las sociedades, ya sea apelando a la magia, el mito y lo extraordinario (como la fantasía), ya sea buscando provocar una reacción emocional negativa de los espectadores (el terror) o creando representaciones y descripciones especulativas (como hace la ciencia ficción). Aquello fantástico nace y amplía los límites de la imaginación y creo que eso es lo que moviliza a grandes públicos que, además, están muy implicados en la celebración festiva y lúdica del género. La idea de que las relaciones entre cine y sueños son más ricas, complejas e ingobernables de lo que tópicos como «el cine, máquina de sueños» pueden ilustrar. Desde la inclusión de escenas oníricas muy concretas y delimitadas hasta películas enteras trazadas a partir de la lógica esquiva de las pesadillas, lo onírico impregna el cine de maneras diferentes y muy productivas. Incluso nos hemos preguntado si no son acaso lo mismo, cine y sueños. Con Balagueró conversamos a propósito de Pesadilla en Elm Street, una de las películas que mejor han integrado la lógica de los sueños en un relato cinematográfico. Él dice que el sueño en el cine es un recurso tan asimilado que puede resultar tópico, pero siempre se puede utilizar de una forma sorprendente y pillar desprevenido al espectador.

En el caso de Bayona, hablamos con él sobre la película de Spileberg Inteligencia artificial, que él define como «una reflexión sobre nuestra responsabilidad hacia los sueños», aquí los sueños entendidos como anhelos. Es un libro con muchas voces y aproximaciones diferentes al tema.